O impressionismo foi um movimento que surgiu na pintura francesa do século XIX no período da Belle Époque. O nome do movimento é derivado da obra “Impressão: nascer do sol” (1872), de Claude Monet.
Começou com um grupo de jovens pintores que rompeu com as regras da pintura vigentes da época, quando os pintores impressionistas não mais se preocupavam com os preceitos do realismo ou a academia.
A busca pelos elementos fundamentais de cada arte levou os pintores impressionistas a pesquisar a produção pictórica não mais interessados em temáticas nobres ou no retrato fiel da realidade, mas em ver o quadro como obra em si mesma.
A luz e o movimento utilizando pinceladas soltas tornaram-se o principal elemento da pintura, sendo que geralmente as telas eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar melhor as variações de cores da natureza.
Entre os principais expoentes do Impressionismo estão Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Auguste Renoir e Camille Pissarro.
Galeria 810 -Manet e seus contemporâneos
Esta galeria é dedicada às principais pinturas de figuras dos progenitores do modernismo. Manet, Monet, Degas e Fantin foram considerados os precursores de The New Painting, também conhecido como impressionismo.
O Metropolitan foi o primeiro museu do mundo a possuir o trabalho de Manet, em 1889 – tem a coleção mais importante de pinturas em larga escala desses mestres fora da França.
Édouard Manet não se considerava um impressionista, mas foi em torno dele que se reuniram grande parte dos artistas que viriam a ser chamados de impressionistas.
O Cantor Espanhol (à esquerda) e O Matador (à direita), de Édouard Manet
O impressionismo possui a característica de quebrar os laços com o passado e diversas obras de Manet são inspiradas na tradição. Suas obras no entanto serviram de inspiração para os novos pintores.
Cristo morto e anjos (à esquerda) e Menino com Espada (à direita), de Édouard Manet
O termo “impressionistas” foi cunhado graças a uma exposição que ocorreu em Paris em abril de 1874, composta de artistas excluídos pela elite acadêmica.
Jovem Dama, de Édoard Manet (à esquerda) e sala 810 (à direita)
Foi a partir desta exposição que a crítica de Louis Leroy se deu, publicada no jornal Le Charivari.
Jovem fantasiado de majo (à esquerda) e Miss V. no traje de uma Espadachim (à direita), de Èdouard Manet
A expressão foi usada originalmente de forma pejorativa, mas Claude Monet e seus colegas adotaram o título, sabendo da revolução que estavam iniciando.
O Brioche (à esquerda) e O Funeral (à direita), Édouard Manet
Mas foi antes do impressionismo sequer se chamar impressionismo que sua estética surgiu.
Os pintores impressionistas anteriores à sua época são encontrados muitas vezes entre os realistas, já que o impressionismo está amplamente vinculado à estética barroca e realista.
A estética impressionista nasceu em Veneza, onde luz, cores e sensações foram incorporadas à pintura.
Retrato de uma mulher em cinza (à esquerda) e Uma mulher sentada ao lado de um vaso de flores, Madame Paul Valpinçon (à direita), de Edgard Degas
Alguns grandes renascentistas, como Giorgione, Ticiano, Veronese e Tintoreto, em meados do século XV até o século XVI, deram prioridade à cor sobre a forma, onde tentaram traduzir a luz da vida real para a tela com pinceladas visíveis para trazer a ilusão de vida.
Retrato de uma mulher, de Henri Fantin-Latour
Galerias Havemeyer – Esculturas de Degas (814 a 816)
Quatro galerias (Galeria 814–817) apresentam a coleção de obras de Edgard Degas, sendo o acervo do MET uma das maiores e mais abrangentes do mundo dedicadas ao artista.
A pequena dançarina de quatorze anos e Mulher colocando uma meia
Edgar Degas fez esculturas ao longo de sua longa carreira, sempre trabalhando em cera. Em exibição na sala 814 ficam os bronzes e figuras em cera de pequena escala.
Dançarina, olhando para a sola do pé direito e Dançarina vestida em repouso, mãos atrás das costas, perna direita para a frente
Os assuntos coincidem amplamente com os temas de suas pinturas e pastéis mais populares: dançarinos, banhistas e cavalos de corrida. Apenas uma das esculturas de Degas foi mostrada durante sua vida: a quase dançarina de tamanho quatorze anos de idade, que fica na galeria 815. Os outros modelos de cera foram descobertos em seu estúdio após sua morte.
Mulher saindo do banho e Dançarina Espanhola
Galerias Havemeyer – Pinturas de Degas (sala 815)
Edgar Hilaire Germain Degas nasceu em Paris e foi um pintor, gravurista, escultor e fotógrafo conhecido sobretudo pela sua visão particular no mundo do ballet, sabendo captar os mais belos cenários e posições.
É ainda reconhecido pelos seus célebres pastéis e como um dos fundadores do impressionismo.
Dançarinos praticando no Barre e A Aula de Dança
Filho primogênito do rico banqueiro, a origem e a formação de Edgar Degas jamais sugeririam que ele viesse a ser um revolucionário, satirizando e reformulando as percepções visuais das pessoas do seu tempo.
Auto-retrato (à esquerda) e Joseph-Henri Altès (à direita)
Em 1845, entrou como aluno no Liceu Louis-le-Grand (Paris), onde conheceu Henri Rouart , amigo que o acompanhou durante toda a sua vida. Com dezoito anos, numa sala da mansão dos seus pais, instalou um atelier onde concebeu alguns dos melhores trabalhos do início da sua carreira.
Madame Théodore Gobillard, Yves Morisot (à esquerda) e Marie Dihau (à direita)
Em 1854, ingressa no ateliê de Louis Lamothe, onde encontra Dominique Ingres e os irmãos Flandrin. Foi esse artista quem lhe serviu de conselheiro durante os primeiros anos da sua carreira e que o aproximou de Dominique Ingres.
Uma Mulher Passando (à esquerda) e Retrato de uma Jovem Mulher (à direita)
A riqueza dessas pinturas do MET se deve em grande parte à senhora Louisine Havemeyer, uma das principais colecionadoras de arte européia moderna na América na virada do século XX.
Retratos na Bolsa de Valores (à esquerda) e O Colecionador de Gravuras (à direita)
Ela começou a adquirir o trabalho de Degas no final da década de 1870, a pedido de sua amiga Mary Cassatt, uma famosa impressionista americana, e passou a preferir seu trabalho acima de todos os outros artistas vivos.
Jovem mulher com Ibis e James-Jacques-Joseph Tissot
Na época de sua morte, a Sra. Havemeyer já havia reunido uma coleção de mais de sessenta pinturas, desenhos e pastéis de Degas, além de todos os setenta bronzes e um grande número de impressões.
Sulking (à esquerda) e A Velha Italiana (à direita)
A maior parte de sua coleção – o grupo mais completo de obras de Degas já reunidas – entrou no Metropolitan após a morte da sra. Havemeyer em 1929.
Essa galeria também inclui obras de pequena escala de Tissot e outros artistas do círculo de Degas.
Galerias Havemeyer – Pastéis de Degas (sala 816)
Degas ficou conhecido por pintar bailarinas, cavalos, retratos de família – dos quais o mais conhecido é Retrato da Família Bellelli – ou individuais, cenas do cotidiano parisiense e cenas domésticas, como o banho, paisagens e da burguesia.
A Lição de Dança e As Dançarinas
Além de cenas do cotidiano doméstico, pintou às frenéticas ruas de Paris, a Bolsa Valores de Nova Orleans, corridas de cavalo, mulheres passando a ferro, e todas as suas obras eram bem aceitas e de extrema reputação.
O Ensaio do Balé no Palco e The Milliner
Como o pastel é um material bastante perecível, parece que ele usava um fixador especial, que ele próprio testou e aprimorou em suas obras, o que as fez durarem mais tempo a ponto de serem apreciadas até os dias atuais.
Dançarino com uma fã e Dançarina Russa
Grande parte das bailarinas de Degas foram feitas com a técnica do pastel sobre papel.
Banhista entrando em uma banheira e Mulher no Sofá
Suas obras em pastéis sempre foram apreciadíssimas.
O Ballet de Robert le Diable e At the Milliner’s
Impossível é deixar de referir que Edgar Degas foi um dos maiores revolucionários da arte do século XIX e de todos os tempos.
Galeria 817 – Degas, Manet e Lautrec
A galeria 817 é a última sala com as obras de Degas e possui ainda obras de Édouard Manet e Henri Toulouse Lautrec.
Albert René Grenier, (à esquerda) e Émilie Toulouse-Lautrec (à direita), de Henri Toulouse-Lautrec
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa foi um pintor pós-impressionista e litógrafo francês, conhecido por pintar a vida boêmia de Paris do final do século XIX.
O inglês William Tom Warrener, no Moulin Rouge (à esquerda) e Mulher no Jardim da Monsieur Forest (à direita), de Henri Toulouse-Lautrec
Sendo ele mesmo um boêmio, faleceu precocemente aos 36 anos de sífilis e alcoolismo. Trabalhou por menos de vinte anos mas deixou um legado artístico importantíssimo, tanto no que se refere à qualidade e quantidade de suas obras, como também no que se refere à popularização e comercialização da arte.
Madame Thadée Natanson (à esquerda) e Uma pintura de Henri Toulouse-Lautrec (à direita), ambos do artista
Toulouse-Lautrec revolucionou o design gráfico dos cartazes publicitários, ajudando a definir o estilo que seria posteriormente conhecido como Art Nouveau. Era o Filho mais velho do Conde Toulouse-Lautrec-Monfa, de quem deveria herdar o título, falecendo antes do pai.
Lautrec começou a documentar a vida das prostitutas em uma série de fotos executadas entre 1892 e 1896. No início, ele fez esboços em bordéis, mas a iluminação era insuficiente para desenhar. Passou a convidar suas modelos para ir ao seu estúdio. Ele apreciava a naturalidade de acompanhantes como esse casal de lésbicas, que se esticavam nos divãs. A imagem sincera pode ser inspirada nas várias cenas de bordéis e gravuras eróticas japonesas de Degas.
Emilie-Louise Delabigne, chamada Valtesse de la Bigne e George Moore, de Edouard Manet
O quadro acima de Manet, sobre Emilie-Louise Delabigne possui uma história interessante sobre a retratada. Aos 31 anos, a babá de Manet teve de uma infância sombria e saiu da prostituição para se tornar uma das cortesãs mais elegantes, ricas e famosas de Paris. Possuindo um círculo de pretendentes da elite e seguidores ligados a literatura, ela se reinventou como a “Valtesse” – uma peça de teatro que quer dizer “Sua Alteza”.
Madame Édouard Manet (à esquerda) e Mademoiselle Isabelle Lemonnier (à direita) de Édouard Manet
Comprou uma casa luxuosa, com muitos retratos e uma cama semelhante ao trono que em 1879 se tornou o assunto de Paris, pois foi a inspiração para o boudoir de Naná, a personagem do romance mais vendido de Émile Zola.
Mulher Penteando seu Cabelo (à esquerda) e Mulher, secando seu pé (à direita), de Edgard Degas
A prima do artista, provavelmente a Sra. William Bell (à esquerda) e Três Joqueis (à direita), de Edgard Degas
Galerias Annenberg – Monet no início (sala 818)
Os principais trabalhos de Monet, o impressionista por excelência, são exibidos nesta galeria, da Escola Barbizon The Bodmer Oak, Floresta de Fontainebleau ao icônico Jardim de Sainte-Adresse. Trabalhos posteriores de Monet estão em exibição na Galeria 819.
Claude Monet nasceu em Paris em 1840 e seu pai, Claude Auguste, tinha uma mercearia modesta. Seu pai desejava que Claude continuasse no comércio da família, mas ele desejava pintar e sua tia Marie-Jeanne Lecadre foi quem o apoiou a seguir na carreira artística, pois ela também foi pintora.
A Onda Verde (à esquerda) e Regata em Sainte-Adresse (à direita)
Em 1851, Monet entrou para a escola secundária de artes e acabou se tornando conhecido na cidade pelas caricaturas que fazia.
O Manneporte perto de Étretat (à esquerda) e Cabine do Relógio da Alfândega (à direita)
Nas praias da Normandia, Monet conheceu, por volta de 1856, Eugène Boudin, um artista que trabalhava extensivamente com pintura ao ar livre nessas mesmas praias, e que lhe ensinou algumas técnicas ao ar livre.
O carvalho de Bodmer, Floresta de Fontainebleau (à esquerda) e Camille Monet no Jardi de Argenteuil (à direita)
Em 1859, Monet mudou-se para Paris e frequentava muito a academia suíça, onde copiava os grandes pintores. Em 1861 foi obrigado a servir ao Exército na Argélia.
Sua tia Lecadre concordou em conseguir sua dispensa do serviço caso Monet se comprometesse a cursar arte na universidade. Monet deixou o exército, mas não lhe agradou o tradicionalismo da pintura acadêmica.
Decepcionado com o ensino da pintura acadêmica na Universidade, em 1862 ele foi estudar artes com Charles Gleyer em Paris, onde conheceu Camille Pissarro e Gustave Courbet. Juntos desenvolveram a técnica de pintar o efeito das luzes com rápidas pinceladas, o que mais tarde seria conhecido como impressionismo.
Camille Monet em um Banco de Jardim (1873) e Jean Monet em seu cavalo
Monet retratou Camille Doncieux em uma pintura e ela que se tornaria sua futura mulher e no mesmo ano,tiveram seu primeiro filho, Jean.
Vista de Vétheuil (à esquerda) e Paisagem do Parc Monceau (à direita)
Em 1870, Camille e Monet se casaram após o nascimento do primeiro filho do casal. e se refugiaram em Londres, com o início da guerra franco-prussiana.
De volta à França e com o pai já morto, refugiar-se em Le Havre não o atraía mais, por isso Monet mudou-se para Argenteuil, onde passou a receber seus amigos impressionistas, entre eles, Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e outros
Galerias Annenberg – Carreira intermediária a tardia de Monet (819)
Durante os 40 anos de sua longa carreira, Monet freqüentemente descreveu o mesmo assunto várias vezes sob várias condições climáticas e de iluminação.
Essas “pinturas em série”, várias das quais são representadas por obras expostas nesta galeria, são celebradas por seu naturalismo intransigente, mas, na verdade, estão entre as obras mais intensamente subjetivas de Monet.
Em geral, ele começou as pinturas da série ao ar livre, mas as completou no silêncio de seu estúdio, onde se concentrou nos aspectos puramente formais e decorativos de suas composições.
Os extensos jardins que ele cultivou em sua propriedade em Giverny se tornaram o principal assunto de seus trabalhos tardios.
Ponte sobre uma Lagoa de Nenúfares (à esquerda) e Manhã no Sena, perto de Giverny (à direita)
Em 1878, Monet mudou-se para Paris com a família devido a crise financeira e no mesmo ano, nasceria seu segundo filho, Michel. Em férias com o casal Hoschédé, Monet acabou apaixonando-se pela mulher do Sr. Hoschédé, Alice.
Um ano depois, Camille Doncieux morreu aos 32 anos de idade. Em 1883, Monet mudou-se para Giverny, na Normandia e trocava correspondência com Alice até a morte de seu marido em 1891. No ano seguinte, ele e Alice Hoschédé casaram-se.
Catedral em Ruão (à esquerda) e Efeito de palheiros de neve e sol (à direita)
Após o seu casamento, Monet pintou uma série da Catedral de Ruão em vários horários e pontos de vista diferentes. Vinte pinturas da catedral foram exibidas na galeria Durand-Ruel em 1895. Ele também fez uma série de pinturas de pilhas de feno.
Em 1899, Monet pintou em Giverny a famosas série de quadros chamadas “Nenúfares”. Em sua propriedade em Giverny, Monet tinha um lago e uma pequena ponte japonesa que inspirou a série de nenúfares. Estas obras quando foram expostas fizeram grande sucesso. Era o reconhecimento tardio de um gênio da pintura.
Monet ao pintar Nenúfares se baseou no lago e a ponte japonesa de sua própria casa, no outono, porque era nessa época do ano em que as flores caiam sobre o lago criando uma linda visão na qual Monet resolveu pintar.
As Quatro Árvores Anagoria (à esquerda) e The Houses of Parliament (à direita)
A técnica de Monet para pintar quadros era bastante peculiar para as pessoas e outros artistas que o viam pintando, mas a técnica de Monet desenvolvida na época foi considerada mais tarde como umas das mais belas do mundo, que é o impressionismo, que aparenta ser de perto apenas borrões mas ao distanciar a visão, o quadro se forma nitidamente.
Buquê de girassóis (à esquerda) e Crisântemos (à direita)
Monet teve uma catarata no fim da sua vida e a doença o atacou por causa das muitas horas com seus olhos expostos ao sol, pois gostava de pintar ao ar livre em diferentes horários do dia e em várias épocas do ano, o que foi outra característica do Impressionismo.
Mas durante sua doença Monet não parou de pintar, – usou nessa época de sua vida cores mais fortes. Em 1923, o pintor estava quase totalmente cego. Monet morreu a 1926, aos 86 anos, sem nunca ter parado de pintar, em consequência de um câncer de pulmão e está enterrado no cemitério da igreja de Giverny, na Alta Normandia, norte da França.
Galerias Annenberg – Pissarro (sala 820)
Jacob Abraham Camille Pissarro nasceu na ilha de São Tomás nas Índias Ocidentais Dinamarquesas, hoje Ilhas Virgens Americanas e foi um pintor francês que ajudou a criar o Impressionismo, e o único que participou nas oito exposições do grupo, entre 1874-1886.
Entre os artistas mais influentes e experimentais do movimento, Camille Pissarro surgiu na década de 1860 como especialista em paisagens amplamente pintadas na tradição de Courbet e Monet. No final da década de 1880 e início da década de 1890, Pissarro explorou as virtudes da nova técnica divisionista, também conhecida como pontilhista, frequentemente para representações heroicas de camponeses.
Uma Lavadeira em Éragny (à esquerda) e Duas Jovens Camponesas (à direita)
Filho de um judeu português, com 11 anos Camille Pissarro foi enviado a Paris para estudar num colégio interno e quando jovem voltou para a ilha São Tomás, a fim de tomar conta do negócio da família. Algum tempo depois a sua paixão pela pintura e uma amizade com o pintor dinamarquês, Fritz Melbye o fez, em 1852, abraçar a oportunidade de concretizar seu sonho.
Costa des Grouettes, perto de Pontoise (à esquerda) e Poplars, Éragny (à direita)
Um convite para acompanhar uma expedição do Fritz Melbye, enviado pelo governo das Antilhas Dinamarquesas, para estudar a fauna e a flora da Venezuela, levou Pissaro a ficar dois anos na America Latina,
Em 1855, ele já estava em Paris, tentando iniciar sua carreira e o jovem antilhano fascinou-se com as telas de Camille Corot e travou amizade com Paul Cézanne, Claude Monet, Charles-François Daubigny, entre outros pintores impressionistas. Com Monet passou a sair para pintar ao ar livre, em Pontoise e Louvenciennes.
Monte Jalais, Pontoise (à esquerda) e Palheiros, Manhã, Manhã (à direita)
Em 1861 casou com Julie Vellay e no decorrer da guerra franco-prussiana, entre 1870-1871, na qual praticamente todos os seus quadros foram destruídos, residiu em Inglaterra.
Quando voltou, começou a pintar na companhia de Cézanne. Com o objectivo de descobrir novas formas de expressão, Pissarro foi um dos primeiros impressionistas a recorrer à técnica da divisão das cores através da utilização de manchas de cor isoladas.
Estudo da Lavadeira (à esquerda) e Vida com maçãs e jarro (à direita)
Nos anos 1890 abandonou gradualmente o “neo-impressionismo”, preferindo um estilo mais flexível que melhor lhe permitisse captar as sensações da natureza, ao mesmo tempo que explorou a alteração dos efeitos da luz.
O Jardim das Tulherias em uma Tarde de Inverno (à esquerda) e O Jardim das Tulherias em uma Manhã de Primavera (à direita)
Pissaro tentou também exprimir o dinamismo da cidade moderna, de que são exemplos os vários quadros que pintou com vistas de Paris, Dieppe, Le Havre e Ruão.
O Jardim Público de Pontoise (à esquerda) e O Boulevard Montmartre em uma Manhã de Inverno (à direita)
A obra de Pissarro se caracterizou por uma paleta de cores cálidas e pela firmeza com que consegue captar a atmosfera, por meio de um trabalho preciso da luz. Seu material predileto foi o óleo, mas também fez experiências com aquarelas e pastel.
Manhã, um dia nublado, Rouen (à esquerda) e Rue de l’Épicerie, Rouen (à direita)
A estrutura dos quadros de Pissarro encontra total correspondência na obra de Cézanne, já que foi mútua a influência entre ambos. Como professor teve como alunos Paul Gauguin e seu filho Lucien Pissarro. Ao jovem Gauguin aconselhou a utilização das cores, conselhos que surtiram efeito e Gauguin começa a utilizar a cor no seu estado puro.
Barges at Pontoise (à esquerda) e Barcos a Vapor no Porto de Rouen (à direita)
No final de sua carreira, o artista retornou às suas raízes impressionistas, produzindo uma série de cenas de mercado e paisagens urbanas que evocam o estilo mais espontâneo e mais solto de sua juventude.
Coleção Annenberg: mestres dos séculos XIX e XX – (galeria 121) – Renoir, Fantin Latour, Degas, Manet e Monet
A Coleção Annenberg vai das Galerias 821 à 823 e inclui mais de 50 obras de 18 dos artistas mais renomados que trabalharam na França durante os séculos XIX e XX, entre eles Manet, Monet, Renoir, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Fantin-Latour e Picasso.
Rosas e Lírios (à esquerda) e Ásteres e frutas em uma mesa (à direita), de Henri Fantin-Latour
A coleção foi montada por Walter H. Annenberg e sua esposa, Leonore Annenberg, durante um período de quatro décadas, começando no início da década de 1950.
Rosas em uma tigela (à esquerda) e Frutas e Flores (à direita), de Henri Fantin-Latour
O presente de Annenberg estipula que a coleção deve ser exibida em conjunto e sempre permanecer nas instalações do Metropolitan Museum.
Buquê de Crisântemos (à esquerda) e Eugène Murer (à direita), de Auguste Renoir
As orientações gerais que caracterizam a arte impressionistas rompe completamente com o passado, inicia pesquisas sobre a óptica e os efeitos de ilusões ópticos e são contra a cultura tradicional, pertencendo a um grupo individualizado, falando de arte e sociedade.
Nini no Jardim (à esquerda) e As Filhas de Catulle Mendès, Huguette, Claudine e Helyonne, de Auguste Renoir (à direita)
Os impressionistas gostam de pintar para no exterior, algo mais conveniente com a evolução da indústria, nomeadamente, telas com mais formatos e com tubos com várias cores de tintas.
Nu reclinado, de Auguste Renoir (à esquerda) e Mulher Secando seu Braço, de Edgard Degas (à direita)
Uma das origens diretas do impressionismo foi, com certeza, Eugène Delacroix (1798-1863)e alguns até o denominam como “pai do impressionismo”, tanto quanto Claude Monet.
No Milliner’s (à esquerda) e Corrida de Cavalos (à direita), de Edgard Degas
Muitos vêem em Delacroix um precursor do movimento, onde os reflexos coloridos são dados como extremamente importantes e o próprio pintor declarou, em 1852, que o cinzento era inimigo da pintura, mostrando mais uma vez sua ligação com o movimento impressionista.
Madame Manet , Suzanne Leenhoff em Bellevue, de Édouard Manet (à esquerda) e The Stroller, Suzanne Hoschedé, mais tarde Sra. Theodore Earl Butler , de Claude Monet (à direita)
Ele também fez declarações que se relacionam com a mistura óptica e a fragmentação da pincelada, ambas características recorrentes das pinturas impressionistas.
Esses grupos de artistas impressionistas, até então, não tinham um local de encontro, reuniam-se no ateliê de Fatin Latour ou no de Claude Monet.
Campos de Papoulas perto Argenteuil (à esquerda) e Camille Monet no Jardim de Argenteuil (à direita)
Mas queriam encontrar-se com maior frequência e em local mais adequado. Decidiram então encontrar-se em um café calmo, às quintas-feiras, mais precisamente no Café Guerbois.
As reuniões se seguiram, principalmente, entre 1868 e 1870.
A Curiosa Menina, de Camille Corot (à esquerda) e Princesa Pauline Metternich na Praia, de Eugène Boudin (à direita)
Na época, a fama de Manet fez com que seus colegas de grupo o considerassem o promotor da vanguarda. Ele viraria, então, o presidente dessas sessões.
Na praia, Dieppe (à esquerda) e Na Praia, pôr do sol (à direita), de Eugene Bodin
Agrupavam-se, nestas reuniões, nomes da pintura como: Constantin Guys, Claude Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Bazille, Fantin-Latour.
Mas não apenas de pintores se constituía a reunião, contando também com escritores e críticos como Théodor Duret, Paul Alexis, Zacharie Astrux, Duranty, e outros membros, como o musicólogo Édouard Maitre e o fotógrafo Nadar.
Coleção Annenberg: mestres dos séculos XIX e XX – Galeria 822 (Gauguin, Van Gogh e Monet)
Eugène-Henri-Paul Gauguin (nasceu em Paris e foi um pintor francês do pós-impressionismo, que viveu sete anos em Lima, no Peru, para onde os seus pais,um jornalista francês e uma escritora peruana mudaram-se após a chegada de Napoleão III ao poder.
Durante a viagem de navio, seu pai adoeceu e após complicações de saúde,faleceu.
Quando voltou para o seu país natal, em 1855, Gauguin estudou em Orléans e, aos 17 anos, ingressou na marinha mercante e correu o mundo. Em 1873, casou-se com uma dinamarquesa com quem teve cinco filhos. Aos 35 anos, após a quebra da Bolsa de Paris, tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura.
Começou, assim, uma vida de viagens e boêmia, que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. Ao contrário de muitos pintores, não se incorporou ao movimento impressionista da época e expôs pela primeira vez em 1876. A vida de Gauguin não foi uma vida fácil, tendo atravessado dificuldades econômicas, problemas conjugais, privações e doenças.
Sua obra, longe de poder ser enquadrada em algum movimento, foi tão singular como as de Van Gogh ou Paul Cézanne, mas apesar disso, teve seguidores e pode ser considerado o fundador do grupo Les Nabis, que, mais do que um conceito artístico, representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida.
O pintor parte para o Taiti em busca de novos temas e para se libertar dos condicionamentos da Europa. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar, e não faltam cenas que mostram um erotismo natural, fruto, segundo conhecidos do pintor, de sua paixão pelas nativas.
A cor adquire mais preponderância, sendo representada pelos vermelhos intensos, amarelos, verdes e violetas.
Entre as flores favoritas de Monet, havia lilases nos caminhos que levavam à casa e à ponte japonesa na propriedade do artista em Giverny.
Esta visão panorâmica de um caminho de jardim pertence a uma série de obras monumentais pintadas durante a Primeira Guerra Mundial que capturam a essência vital dessas flores com intensidade e amplitude de visão.
Vincent Willem van Gogh foi um pintor holandês considerado uma das figuras mais famosas e influentes da história da arte ocidental.
Ele criou mais de dois mil trabalhos em pouco mais de uma década, incluindo por volta de 860 pinturas a óleo, a maioria dos quais durante seus dois últimos anos de vida.
Suas obras abrangem paisagens, naturezas-mortas, retratos e autorretratos caracterizados por cores dramáticas e vibrantes, além de pinceladas impulsivas e expressivas que contribuíram para as fundações da arte moderna.
Van Gogh nasceu numa família de classe média alta e começou a desenhar ainda criança, sendo descrito como alguém sério, quieto e pensativo. Ele trabalhou como vendedor de arte quando jovem e viajou frequentemente, porém entrou em depressão depois de ser transferido para Londres.
Rosas e Buquê de Flores em um Vaso, Vincent Van Gogh
Seu irmão mais jovem, Theo, lhe apoiou financeiramente e os dois mantiveram uma duradoura correspondência. Seus primeiros trabalhos consistiam em naturezas-mortas e representações de camponeses. Van Gogh mudou-se em 1886 para Paris e se encontrou com vanguardistas como Émile Bernard e Paul Gauguin, que estavam opondo-se à sensibilidade impressionista.
Ele criou uma nova abordagem para naturezas-mortas e paisagens à medida que produzia suas obras, com suas pinturas ficando com cores mais vivas enquanto desenvolvia um estilo que estabeleceu-se por completo em 1888 na sua estadia em Arles.
Durante esse período Van Gogh também ampliou seus temas para englobar oliveiras, ciprestes, campos de trigo e girassóis. Ele sofria de episódios psicóticos e alucinações, temendo por sua estabilidade mental e frequentemente negligenciando sua saúde física, não comendo direito e bebendo muito.
Sua amizade com Gauguin terminou em uma briga com uma lâmina quando Van Gogh, em um ataque de raiva, cortou parte de sua própria orelha esquerda. Ele passou um tempo internado em hospitais psiquiátricos, incluindo um período em Saint-Rémy-de-Provence. Sua depressão continuou e ele disparou um revólver contra seu peito, morrendo de seus ferimentos dois dias depois.
Coleção Annenberg: mestres dos séculos XIX e XX – Galeria 823 – Cézanne, Seurat e Toulouse-Lautrec
Paul Cézanne foi um pintor pós-impressionista francês, cujo trabalho forneceu as bases da transição das concepções do fazer artístico do século XIX para a arte radicalmente inovadora do século XX.
Cézanne pode ser considerado como a ponte entre o impressionismo do final do século XIX e o cubismo do início do século XX. Segundo Matisse e a Picasso, Cézanne “é o pai de todos nós”. Após uma fase inicial dedicada aos temas dramáticos e grandiloquentes próprios da escola romântica, Paul Cézanne criou um estilo próprio, influenciado por Delacroix.
Antoine Dominique Sauveur Aubert, tio do artista, como monge (à esquerda) e Camponês sentado (à direita), de Paul Cézanne
Introduziu nas suas obras distorções formais e alterações de perspectiva em benefício da composição ou para ressaltar o volume e peso dos objetos. Concebeu a cor de um modo sem precedentes, definindo diferentes volumes que foram essenciais para suas composições únicas.
Cézanne não se subordinava às leis da perspectiva e, sim, as modificava. A sua concepção da composição era arquitetônica; segundo as suas próprias palavras, o seu próprio estilo consistia em ver a natureza segundo as suas formas fundamentais.
Cézanne cultivava sobretudo a paisagem e a representação de naturezas-mortas, mas também pintou figuras humanas em grupo e retratos. Antes de começar as suas paisagens, estudava-as e analisava os seus valores plásticos, reduzindo-as depois a diferentes volumes e planos que traçava à base de pinceladas paralelas.
Árvores, casas e demais elementos da paisagem subordinam-se à unidade de composição. As suas paisagens são sutilmente geométricas. Cézanne pintou, sobretudo, a sua Provença natal (O Golfo de Marselha e as célebres versões sucessivas de O Monte de Sainte-Victoire).
Nas suas numerosas naturezas-mortas, tipicamente compostas por maçãs, levava, a cabo, uma exploração formal exaustiva que é a terra fecunda de onde surgirá o cubismo poucos anos mais tarde.
The Streetwalker (à esquerda) e Mulher Diante de um Espelho (à direita), de Henri Toulose-Lautrec
Coleções Annenberg – Renoir e seus Contemporâneos ( Galeria 824)
Ao contrário de seus colegas impressionistas Monet, Pissarro e Sisley, que se concentravam na paisagem, Auguste Renoir era principalmente um pintor de figuras.
Esta galeria exibe vários dos retratos e pinturas de gênero mais celebrados de Renoir, principalmente Madame Charpentier e Seus Filhos, que foram comprados pelo Museu em 1907. Também são apresentados nesta sala obras dos contemporâneos de Renoir, como Berthe Morisot, Alfred Sisley e Henri Fantin-Latour.
Pierre-Auguste Renoir foi um pintor que iniciou o desenvolvimento do movimento impressionista e ficou conhecido por celebrar a beleza e, especialmente, a sensualidade feminina, diz-se que Renoir é o último representante de uma tradição herdada diretamente de Ruben.
Ele foi pai do ator Pierre Renoir, do cineasta Jean Renoir e do ceramista Claude Renoir, e avô do cineasta Claude Renoir.
Tilla Durieux (à esquerda) e À beira-mar (à direita), de Auguste Renoir
Em 1862, Pierre começou a estudar arte sob a supervisão de Charles Gleyre, em Paris. Lá ele conheceu Alfred Sisley, Frédéric Bazille e Claude Monet. Durante o ano de 1860, Pierre não tinha dinheiro nem para comprar tinta. Seu primeiro sucesso veio no Salão de Paris de 1868, com o quadro Lise with a Parasol (1867), que retratava Lise Tréhot e seu amante na época
Uma Garçonete no Restaurante do Duval (à esquerda) e Madame Édouard Bernier, Marie-Octavie-Stéphanie Laurens (à direita), de Auguste Renoir
Durante a Comuna de Paris, em 1871, enquanto Renoir pintava os bancos do Rio Sena, quando alguns communards pensaram que ele era um espião e estavam para jogá-lo no rio, quando o líder da Comuna, Raoul Rigault, reconheceu Renoir que o protegera em uma ocasião anterior
Marguerite-Thérèse (Margot) Berard (à esquerda) e No campo (à direita), de Auguste Renoir
Em 1874, uma amizade de dez anos com Jules Le Cœur e sua família acabou e Renoir perdeu não apenas o suporte ganhado pelo apoio deles, como também o generoso pagamento que recebia por cuidar da propriedade da família em Fontainebleau e a floresta ao redor. A perda de sua fonte de inspiração para seus quadros forçou uma mudança de objetivos.
Uma Estrada em Louveciennes (à esquerda) e Natureza Morta com Flores e Peras Espinhosas (à direita), de Auguste Renoir
Entre 1870 e 1883, Renoir entra em seu período impressionista. Pinta várias paisagens mas suas obras são mais caracterizadas ao retratar a vida social urbana. Em 1881, Renoir passaria a buscar novas inspirações. Primeiro foi à Argélia depois à Itália. Na Itália, Renoir conheceu os grandes centros: Milão, Roma, Veneza, Nápoles. O que mais lhe impressionou na viagem foi ver de perto as obras de Rafael. Este novo período em sua arte, de 1883 a 1887, ficou conhecido como “período seco”, onde não houve mais espaço para pintura ao ar livre.
Natureza Morta com Pêssegos e Uvas (à esquerda) e Natureza Morta com Pêssegos (à direita), de Auguste Renoir
Chamado pelo pintor de período iridescente, a partir de 1889 Renoir mudaria novamente de estilo. Era uma fase de recuperação da liberdade da juventude.
Natureza Morta com Violetas (à esquerda) e Violetas em Vaso (à direita), de Henri Fantin-Latour
Sisley nasceu em Paris, filho de pais ingleses, tendo estudado comércio em Londres para continuar o trabalho de seu pai, diretor de uma empresa de exportação de flores artificiais para a América do Sul. Porém em vez de estudar passava o tempo visitando museus e copiando esboços
Natureza Morta com Flores e Frutas (à esquerda) e Flores de Verão (à direita), de Henri Fantin-Latour
Quando voltou a Paris conseguiu autorização dos pais para entrar para a escola de Gleyre e no ateliê de Paris, Sisley conheceu Renoir, Bazille e Monet, com os quais passava horas pintando no bosque de Fontainebleau.
Vista de Marly-le-Roi de Coeur-Volant (à esquerda) e A estrada de Versalhes para Louveciennes (à direita), de Alfred Sisley
Em 1877 participou da terceira exposição do grupo impressionista. Junto com Camille Pissarro, Sisley foi um dos mais representativos paisagistas do impressionismo, sendo considerado também um dos pintores da escola de Barbizon
Coleções Annenberg – Van Gogh, Gauguin e Seurat (Galeria 825)
Ancorada pelas principais obras-primas de Van Gogh, Gauguin e Seurat, esta galeria destaca as realizações paralelas de artistas comumente chamados de pós-impressionistas, que atingiram a maioridade nas últimas duas décadas do século XIX.
Auto-retrato com um chapéu de palha e em seu verso O descascador de batatas, de Vincent van Gogh
O relação conturbada entre Paul Gauguin e Vincent Van Gogh teve diversas passagens conturbadas. Gauguin concordou em visitar Arles em 1888, com Van Gogh esperando alcançar uma amizade e a realização da sua ideia de um coletivo de artistas. Enquanto esperava, ele pintou Girassóis em agosto.
Gauguin visitou novamente e Van Gogh lhe pintou um retrato, além do estudo O Poeta Contra um Céu Estrelado. Van Gogh comprou duas camas em preparação para a visita de Gauguin, seguindo o conselho do supervisor postal Joseph Roulin, cujo retrato ele também pintou.
Íris e Oleandros, de Vincent van Gogh
Ele passou sua primeira noite na Casa Amarela. Foi quando começou a trabalhar na Decoração para a Casa Amarela, provavelmente o esforço artística mais ambicioso da sua vida, quando Gauguin concordou em viver em Arles com ele. Ele completou dois pinturas de cadeiras: Cadeira de Van Gogh e Cadeira de Gauguin. Gauguin finalmente chegou em 23 de outubro depois de vários pedidos de Van Gogh, com os dois começando a pintar juntos no mês seguinte.
Primeiros passos, Depois de Millet e L’Arlésienne: Madame Joseph-Michel Ginoux,Marie Julien, de Vincent van Gogh
Gauguin representou Van Gogh em O Pintor de Girassóis, enquanto Van Gogh seguiu a sugestão do colega e pintou imagens apenas da memória. Dentre esses quadros “imaginativos” estava Memória do Jardim em Etten. A primeira saída dos dois para pintar ao ar livre foi em Alyscamps, onde produziram um par de obras cada.
Van Gogh e Gauguin visitaram Montpellier em dezembro de 1888, onde viram os trabalhos de Gustave Courbet e Eugène Delacorix no Museu Fabre. A relação dos dois começou a deteriorar; Van Gogh admirava Gauguin e queria ser tratado como um igual, porém Gauguin era arrogante e dominador, o que frustrou Van Gogh. Eles brigavam frequentemente e Van Gogh passou a temer que o colega fosse abandoná-lo, com a tensão excessiva, rapidamente chegando a uma crise.
Não se sabe a exata sequência de eventos que levaram à mutilação da orelha esquerda de Van Gogh. Gauguin afirmou quinze anos depois que houve várias instâncias na noite anterior de um comportamento fisicamente ameaçador.
A relação de ambos era complexa e Theo talvez devesse dinheiro para Gauguin, que suspeitava que os dois irmãos estavam lhe explorando financeiramente. É provável que Van Gogh tenha percebido que Gauguin planejava ir embora.
Girassóis (à esquerda), de Vincent van Gogh e Uma Fazenda na Bretanha (à direita), de Paul Gauguin
Gauguin relatou que saiu para caminhar e foi seguido por Van Gogh, que “correu na minha direção, uma lâmina na mão”. Gauguin quase certamente não estava na casa durante aquela noite, mais provavelmente tendo ficado em um hotel. Van Gogh voltou para a Casa Amarela depois de ter brigado com Gauguin, ouvindo vozes e cortando sua orelha esquerda com uma lâmina, não se sabe se parcialmente ou totalmente.
Paisagem do Taiti e Duas Mulheres do Taiti, de Paul Gauguin
Ele enfaixou a ferida, enrolou a orelha em papel e enviou o pacote para Gabrielle Berlatier, criada de um bordel que Gauguin frequentava. Van Gogh foi encontrado inconsciente na manhã seguinte por um policial e levado ao hospital,
Van Gogh chamou por Gauguin repetidas vezes sem sucesso durante os primeiros dias de tratamento. Gauguin tinha pedido ao policial encarregado do caso para “ser gentil o bastante, senhor, de acordar este homem com grande cuidado, e se ele perguntar por mim lhe diga que fui para Paris; a visão de mim talvez mostre-se fatal para ele”. Ele fugiu de Arles e nunca mais viu Van Gogh, mesmo assim continuaram a se corresponder até o suicídio de Van Gogh.
Parada de Circo e A Floresta em Pontaubert, de Georges Seurat
Georges-Pierre Seurat foi um pintor pioneiro do movimento pontilhista, também chamado divisionismo. A personalidade artística de Seurat era contraposta por qualidades supostamente opostas e incompatíveis. De um lado, a sua sensibilidade extrema e delicada; do outro, uma paixão pela abstração lógica e uma precisão matemática da mente
Vista do Sena e Paisagem em Saint-Ouen, de Georges Seurat
O quadro abaixo de Maximilien Luce mostra uma cena íntima com companheiro do pintor, o também pintor Gustave Perrot se levantando e se vestindo enquanto a luz da manhã flui através de uma janela de sótão. Luce estimulou o tema tradicional de um artista em seus humildes aposentos com uma paleta vívida de vermelho, laranja, amarelo e azul, aplicada em pinceladas pontilhadas, de acordo com a nova técnica do pontilhismo.
Pouco se sabe sobre Perrot, além do fato de que ele morreu jovem. Em 1892, sua breve carreira foi lembrada em uma homenagem de quinze trabalhos realizada no Salon des Indépendants, em Paris.
A Repastação do Leão, de Henri Rousseau e O cais em Cassis, de Paul Signac
Galerias Annenberg – Cézanne (sala 826)
A coleção do Museu inclui 24 pinturas de Paul Cézanne, desde seus primeiros retratos e grupos de figuras inspirados em Manet, até suas paisagens evanescentes e a famosa cena de gênero The Card Players. O Metropolitan foi o primeiro museu americano a comprar uma obra do artista – no histórico Armory Show, em 1913.
Maças (à esquerda) e Natureza morta com maçãs e peras (à direita)
Cézanne uma vez proclamou: “Com uma maçã, quero surpreender Paris”, e ele conseguiu, mesmo nas suas naturezas mais enganosamente simples, deslumbrar e encantar. Voltando-se para as maçãs provençais e as peras de Beurré Diel cultivadas nas proximidades da propriedade da família, perto de Aix, ele dispensou a perspectiva tradicional de um ponto e examinou as frutas, os pratos, toalhas, vasos, flores e a mesa de vários pontos de vista – diretamente, acima e de lado. A pintura acima, à esquerda já foi propriedade de Édouard Vuillard e a pintura abaixo, à esquerda já foi de propriedade de Claude Monet.
Natureza morta com maçãs e um pote de prímulas (à esquerda) e Natureza morta com jarra, copo e maçã (à direita)
Uma das primeiras pinturas de banhistas de Cézanne e que foi um tema recorrente na sua carreira, mostra a fascinação do pintor pela figura humana nua, o artista trabalhou devagar sem modelos femininas, pois não se sentia à vontade. Cézanne pintou as cenas da sua imaginação e de seu rico conhecimento da arte clássica e renascentista. As poses rítmicas das mulheres, exibindo seus corpos de diferentes ângulos, recorrem, com variações, nos trabalhos posteriores de Cézanne. No entanto, ele logo temperou a paleta brilhante e de alto tom, favorecida por seus colegas impressionistas.
Banhistas (à esquerda) e Os Pescadores -Cena Fantástica (à direita)
Em Os Pescadores (acima, à direita) a imagem composta de pescadores vestidos de forma até elegante para uma pescaria e que estão em uma costa ensolarada. A pintura se inspira em Manet e Monet, e remete aos protótipos pastorais que Cézanne admirava na obra dos pintores venezianos Giorgione e Tiziano.
A piscina em Jas de Bouffan (à esquerda) e Vista do Domaine Saint-Joseph (à direita)
O carinho de Cézanne pela propriedade de sua família, em Jas de Bouffan, perto de Aix, reflete-se nas muitas visitas ao local, que ele pintou ao longo de um quarto de século. Perto do trilha que dividia as áreas, havia uma piscina de coleta d’água e uma calha de lavagem, ladeada por trombas d’água em forma de leões.
A pintura acima, à direita, mostra uma vista da propriedade jesuíta de Saint-Joseph, situada na Colline des Pauvres, na estrada entre Aix e a vila de Le Tholonet, uma área amada pelo artista desde a juventude. Essa foto foi a primeira obra de Cézanne a entrar em um museu americano.
Gustave Boyer em um chapéu de palha (à esquerda) e Antoine Dominique Sauveur Aubert, tio do artista
Estudiosos identificaram o homem do retrato, à esquerda, como o próprio Cézanne, mas ele é na verdade Gustave Boyer, amigo de infância do artista, advogado que se pousou para outros dois retratos entre 1870 e 1871. Já o retrato à direita é de seu tio materno, Dominique Aubert.
Madame Cézanne, Hortense Fiquet, em um vestido vermelho (à esquerda) e Madame Cézanne, Hortense Fiquet, no Conservatório (à direita)
No outono de 1866, Cézanne realizou uma série de pinturas do tio em diferentes trajes. Aqui, ele veste uma túnica e um boné azul com borlas. Em outro trabalho da coleção do MET, ele se apresenta como um monge. Dos quatro retratos que Cézanne pintou de sua esposa usando um vestido vermelho com gola xale, este é o único a mostrá-la em um interior elaboradamente decorado.
O cenário como o apartamento que Cézanne alugou no 15 quai d’Anjou, em Paris. Hortense Fiquet, modelo de ex-artista, conheceu Cézanne por volta de 1869; eles tiveram um filho em 1872, catorze anos antes de se casarem.
Esta pintura, uma das mais de duas dúzias para as quais Hortense posou, fica no conservatório de Jas de Bouffan, a propriedade da família Cézanne, perto de Aix.
Cézanne estava com 50 anos quando fez uma pintura dedicada a uma composição a partir de estudos de figuras que ele havia feito de agricultores locais. Depois de entender sua concepção, ele continuou a ajustar as poses e posições dos jogadores de cartas, até que eles – como os quatro canos pendurados na parede atrás deles – se encaixavam perfeitamente.
O Golfo de Marselha, visto de L’Estaque (à esquerda) e Gardanne (à direita)
A vila piscatória de L’Estaque inpirou Cézanne que pintou cerca de vinte vistas ao longo da década seguinte, uma dúzia delas voltadas para o Golfo de Marselha ou para o outro lado. Ao longe desta pintura, no topo da colina à direita do cais, as torres de Notre-Dame-de-la-Garde vigiam a cidade de Marselha. A pinturta à direita foi feita em uma das três vistas à Gardanne, uma cidade montanhosa perto de Aix-en-Provence, onde Cézanne trabalhou desde o verão de 1885. A torre da igreja local coroa o conjunto de edifícios de telhado vermelho que animam a inclinação terreno. Facetadas e geométricas, as estruturas antecipam o cubismo do início do século XX.
Galerias Henry J. Heinz II – Pintura De Salão (827)
O Salão de Paris com sua exposição oficial e jurada da Académie des Beaux-Arts, foi um local de destaque para a arte contemporânea por grande parte do século XIX, uma apresentação bem-sucedida ou controversa do salão
poderia fazer uma carreira.
A promessa de aclamação popular e sucesso financeiro atraiu não apenas artistas franceses, mas também um contingente internacional.
Muitos artistas vinha à Paris treinar ou trabalhar, ansiosos por tentar sua sorte na capital do mundo da arte.
Irmão e Irmã Bretão (à esquerda) e Jovem Mãe Olhando para seu Filho, de William Bouguereau (à direita)
Poucos colecionadores estavam mais entusiasmados com a pintura de salões de beleza do que os americanos da classe alta, incluindo vários dos principais benfeitores do Metropolitan.
Berço de Primavera (à esquerda) e A Tempestade (à direita), de Pierre-Auguste Cot
Galerias comerciais recém-fundadas e clientes ricos encheram suas casas com essas obras de arte e posteriormente muitas foram parar nas galerias do Museu, com exemplos de destaque da arte mais procurada e moderna do dia.
O Perdão na Bretanha, de Pascal-Adolphe e Jean Dagnan-Bouveret (à esquerda) e A Vindima. de Léon-Augustin Lhermitte (à direita)
Señora de Sorolla, Clotilde García del Castillo, de Joaquín Sorolla y Bastida (à esquerda) e Vsevolod Mikhailovich Garshinde, de Ilia Efimovich Repin (à direita)
Manhã no jardim em Vernonnet (à esquerda) e O terraço em Vernonnet, de Pierre Bonnard
A Blusa Verde, de (à esquerda), de Pierre Bonnard e Na Mesa (à direita), de Édouard Vuillard
Primavera (à esquerda), de Maurice Denis e Capela de São José, Saint-Tropez (à direita), de Henri Matisse
Galeria Henry J. Heinz II – Fin de Siècle Avant-Garde: Gustav Klint (829)
Na virada do século XX, uma onda de energia criativa varreu a Europa. Nas décadas anteriores, todos os olhos se voltaram para Paris. Agora, artistas de muitas cidades diferentes fizeram uma tentativa de destaque internacional, promovendo estilos e idéias inovadoras.
Mäda Primavesi (à esquerda) e Serena Pulitzer Lederer (à direita), de Gustav Klint
Entre outros, a Secessão de Viena e o Wiener Werkstätte, na Áustria, estabeleceram fóruns de arte e design de ponta, os Nabis na França desenvolveram uma abordagem ousadamente simplificada e decorativa para assuntos modernos e tradicionais e os simbolistas, particularmente no norte da Europa, procuravam evocar os reinos intangíveis da mente e do espírito.
Apesar da diversidade de interesses, emergiram pontos em comum, como o classicismo recentemente revigorado, com uma inclinação para o lirismo, expresso através de referências à música e dança.
um afastamento da representação naturalista em favor de experiências com cores, padrões e formas e um desejo de transmitir significados mais elevados, evidentes no gosto por alegorias e lendas.
Galerias Henry J. Heinz II – Picasso e Matisse (Galeria 830)
“Você pode ser um museu ou pode ser moderno, mas não pode ser os dois.”
Foi graças a esse famoso ditado que o Metropolitan recebeu, em 1947, sua primeira e provavelmente mais famosa pintura de Pablo Picasso, o retrato de 1906 de Gertrude Stein, como legado da babá.
Arlequim sentado e O Ator, de Pablo Picasso
Ela queria que seu retrato, prova tangível de sua ligação com o homem que considerava o maior artista do século XX, fosse exibido no Metropolitan, e não no Museu de Arte Moderna de Nova York.
Cabeça de Mulher e A Cabelereira, de Pablo Picasso
Geralmente em exibição nesta sala, Gertrude Stein, de Picasso, é atualmente exibida em uma exposição itinerante, The Steins Collect: Matisse, Picasso e a vanguarda parisiense, que serão exibidas no Metropolitan de 28 de fevereiro a 3 de junho de 2012.
A refeição do cego e a Mulher no Branco, de Pablo Picasso
Nos sessenta e cinco anos desde 1947, a coleção Picasso do Museu cresceu para quase cem pinturas e obras originais em papel e quase quatrocentas impressões.
Marguerite de chapéu e Margarida com Fita de Veludo Preto, de Henri Matisse
Especialmente rica em obras iniciais, a coleção apresenta obras-primas como Arlequim sentado, Refeição do cego, Ator e La Coiffure.
As grandes capuchinhas de Matisse, de 1912, com a pintura “Dança” costumam aparecer nesta galeria.
Chagas com a pintura “dança” I, de Henri Matisse (à esquerda) e Retrato de Lucien Gilbert, de André Derain (à direita
Graças à generosidade de Pierre e Maria-Gaetana Matisse, filho e nora do artista, muitas outras obras de Matisse são exibidas aqui.
The Street Pavers, de Umberto Boccioni e Barcos de pesca em Collioure, de André Derain
